– Disparue en hiver :  ****

Le deuil est un sujet très délicat que le cinéma comme d’autres médias s’effraient à appréhender. La colère sourde, les mécanismes psychologiques, le sentiment de dépossession, d’injustice… comment en parler, rendre l’émotion ? Christophe Lamotte y parvient magnifiquement dans ce film sombre où un fait d’hiver permettra peut-être à ce père broyé par la perte d’un enfant, d’expier une culpabilité dont on ne sait rien. L’idée forte tient précisément à n’en dire trop sur ce qui s’était passé. On devine, on présume dans les traits d’une mère interprétée par la magnétique et profonde Géraldine Pailhas, actrice sous-estimée à la carrière pourtant exemplaire dans ses choix de rôles. Et dans les non-dits de cet ancien flic incarné par un étonnant Kad Merad. Vous penserez à “La nausée” de Sartre… l’on observe un être s’acharner à retrouver une ado, le coeur au bord des lèvres, même si elle n’est pas sa fille. Malgré l’issue, inéluctable et attendue, peut-être le couple pourra-t-il alors continuer à avancer.

– Une merveilleuse histoire du temps :   ****

Qu’il s’agisse là d’un biopic sur l’un des plus grands mathématiciens et astrophysiciens du 20ème siècle importe peu. Ce n’est en définitive qu’une trame de fond pour montrer avec la plus grande pudeur sans pourtant rien cacher, et la juste distance, la maladie qui s’immisce dans le corps mais aussi dans le couple. L’abnégation sera-t-elle forte assez pour tenir la longueur ? Cette chronique aura elle aussi la pudeur de ne rien en dire car le film mérite le déplacement pour que vous le découvriez à votre tour.

– Les nouveaux sauvages :  ***

Beaucoup de critiques élogieuses pour ce brulot argentin présenté par sieur Pedro Almodovar en personne. C’est pas mal fait, plutôt drôle et politiquement incorrect. Mais inégal. Le ton décalé rappelle celui des grands Dupontel où la folie des hommes n’a d’égal que leur grotesquerie (chouette substantif que je viens d’inventer là).

– The smell of us :  ***

Comme à chacune de ses réalisations, Larry Clark frôle le film de cul sans oser y aller franchement. C’est sans doute ce qui gêne, au final. Il prend un plaisir non dissimuler de jeunes éphèbes, allant jusqu’à renifler leurs aisselles ou leur poils pubiens mais la révolte de jeunes adolescents désœuvrés mais pas désargentés sonne un peu faux. Pas inintéressant, parfois très esthétique parfois poseur, ce metteur en scène tente depuis des lustres de montrer le tourment amoureux chez de jeunes qu’il ne comprend pas vraiment. Il leur prête ses propres fantasmes quand il devrait leur faire les angoisses à basculer dans l’âge adulte. Une fois encore il n’y parvient que partiellement.

– Chic :  ***

Petite comédie sans prétention mais agréable. Prometteuse en tout cas. On ne tombe pas dans la gaudriole franchouillarde… suffisamment rare pour être souligné. Marina Hands tient bien la route face à une Fanny Ardant moins inspirée que de coutume. Mais le face à face et ce qui les travers qui les réunissent à la fin du film est une trouvaille, un jeu de miroir malin tout comme l’écriture nerveuse, pince sans rire et parfois franchement originale, d’un scénario qui l’est tout autant. La dernière partie, très happy end à l’américaine, gâche un peu le plaisir pris avec Stocker en lèche-cul version sous-merde et Elmosnino en dandy-muse agricole.

– Whiplash :  ***

Bien filmé, bien joué, bien dirigé. Oui mais… le personnage du prof. hystérique et odieux fait trop longtemps basculer le film dans un “Full metal jacket” musical. On ne dit pas assez de la passion dévorante conduisant à tous les excès. Le combat final est un peu convenu et à bien y réfléchir, l’amour de l’art aurait du rapprocher élève et maître dans une complicité, même si elle devait s’épanouir dans la violence, que le film peine à effleurer. Le sacrifice et l’exigence sont l’apanage des métiers artistiques mais ici la sueur et le sang ne disent pas l’amour et la beauté comme le merveilleux “Black Swann” de monsieur Aronofsky.

– The Riot Club :   ***

Je n’ai pas aimé ce film et pourtant j’aurais bien voulu. Les personnages sont assez bien campés mais trop lisses dans leur psychologie, trop marqués et binaires pour que cela fonctionne vraiment. Une dizaine de pêteux friqués et arrogants, tout en gueule, se retrouve dans le club aristo qui doit leur servir de sas d’entrée à la gouvernance du monde. On pense aux sociétés secrètes, aux génies de la finance, d’aujourd’hui et de demain, qui asservissent les peuples depuis des générations, sans limites, sans règles. Mais la force du propos s’amoindrit lorsque la seconde partie tourne à gabegie ultra violente avec comme ambition de montrer la lutte des classes. Le monde a changé. La lutte des classes est un pantin désarticulé. L’auteur n’ose le dire que quelques secondes, lorsque le tortionnaire dit à sa victime qu’elle l’aime, qu’elle rêve de prendre sa place. Le film eut pu raconté combien nous courrons inutilement après la gloire, l’argent, le pouvoir. Pas seulement ceux qui mènent le monde. Ils n’y parviennent d’ailleurs que parce que nous sommes devenus des esclaves volontaires, croyant leur destin accompli lorsque nous enfilons un jean Versace sur notre petit cul, non ?

– Valentin Valentin :  **

Ruth Rendell est dans la tradition de ces écrivains anglo-saxons plus que doués pour le polar des plus noirs et tortueux, que l’on pourrait situer entre Agatha Christie et Denis Lehane. Pascal Thomas fait ici l’adaptation d’une de ces œuvres sur une tonalité beaucoup trop guillerette pour que ça fonctionne, en tout cas pour moi. C’est mou comme le cinéma de Denis Podalydes. La galerie de personnages plutôt bien esquissés mais sans assez d’épaisseur, et de noirceur donc, rend l’intrigue secondaire. Vincent Rottiers et Arielle Dombasle s’en sortent un peu mieux. Valentin doit mourir mais mieux vaut dévorer le livre pour savoir pourquoi.

– Captives :  ****

Atmosphère pesante, ouateuse, comateuse pour ce polar, un vrai bon celui-là, qui a l’intelligence de son scénario. Dérangeant parce que la première captive, sans verser dans le syndrome de Stockholm, se laisse amadouer, manipuler, embobiner pour attirer d’autres victimes dans une machinerie pédophile qui n’est jamais montrée. C’est ce qui fait la puissance climatique, sans violence ou si peu. Reynolds surprend comme quelques années auparavant dans un rôle de cinglé à la hache bien aiguisée. Fan aussi de cette comédienne découverte dans “Trance”, Rosario Dawson. La neige est un piège, elle étouffe tout ou presque, vous verrez.

– Invincible :  ***

Vous vous souvenez sans doute de ce sublime film “Les charriots de feu” dont, de toute évidence, Angelina Jolie s’est inspirée pour la première partie de cet “Invincible”. Elle maîtrise l’image, le cadrage et les mouvements de caméra sont bien sentis. Mais le film pêche dans sa longueur, ses répétitions. Pas déplaisant malgré un comédien principal fade (comme Personnaz chez Warnier dans une thématique proche) et/ou pas très bien dirigé. L’histoire de cet athlète et soldat torturé au-delà de l’imaginable reste cependant une belle découverte.

– Exodus :  ***

Comme avec le Warnier, déçu par ce nouveau Ridley Scott, auteur pourtant de mon film préféré de tous les temps, “Thelma et Louise”. On est loin de la profondeur psychologique et spirituelle de “Gladiator”. Il traite cette fabuleuse épopée de l’Ancient Testament comme un film de science fiction ou pas loin. Ca sens le film de commande à plein nez, c’est spectaculaire mais sans beaucoup d’âme.

– A most violent year :  ****

Le film à voir absolument en cette rentrée 2015, pas uniquement parce que c’est les vacances (ah bon, vous avez repris ?!) ou qu’il fait froid dehors. Ce jeune réalisateur a un talent fou qui s’inscrit dans l’héritage des Brian De Palma ou Martin Scorcese. Climatique à souhait, souvent volontairement irrespirable sans la moindre emphase pour autant, le film décrit comment il faut s’arranger de toutes parts, s’accommoder des règles en cette année 81 pour conduire un business et accéder au rêve américain. Tout est décrit avec beaucoup de finesse, sans le moindre effort didactique. Un rien esthétisant… le prochain pourrait bien obtenir un 5/5.

– La famille Bélier :  ****

Très joli conte de Noël avec des ados certes patauds dans les rôles titres mais une belle manière de mettre en lumière le handicap sans pathos ni misérabilisme. C’est ainsi une réussite commerciale et socio-cinématographique après “Intouchables”. Viard à son top tout comme Damiens.

– Une heure de tranquillité :  ***

Gentillette adaptation de la pièce de Florien Zeller. Pas renversant mais plaisant. Christian Clavier mène les ressorts de l’histoire d’un bon rythme avec force de mimiques et de râleries inspirées du maître De Funès. On se fout un peu du scénario plutôt bidon et creux (normal puisque bidon) mais on passe un bon moment . Fallait-il voir ce téléfilm sur grand écran ? Pas sûr.

– Comment tuer son boss 2 :  *

A chier, nul, lourd, surjoué, vulgaire, mal interprété. Bon ok le 1 n’était pas beaucoup mieux, donc le 2, que voulez-vous…

– Le temps des aveux :   ***

Je rêvais d’un retour plus flamboyant de la part de Régis Warnier, magnifique conteur de cette France coloniale que lui seul rendait avec poésie et sans l’once d’une complaisance malgré la nostalgie que d’aucuns peuvent légitimement témoigner à l’égard de cette période de notre pays. Souvenez-vous des romanesques “Indochine” et “Une femme française”. Personnaz est fade comme toujours, et l’on n’atteint pas la sensibilité et la profondeur d’une autre réalisation sur un thème semblable, sortie il y a peu, “Les voix du destin”.

– Men, women and children :  ****

Très bonne chronique sociale d’un American dream désabusé, désenchanté. Les nouvelles technologies sont un miroir aux alouettes pour tous ceux qui s’y mirent de trop près. Narcissisme, fragilité adolescente, tentations plus ou moins perverses sont au menu d’une comédie dramatique qui évite le voyeurisme par une distance juste, des mots justes, des comédiens justes. Juste une réussite d’autant que les nouveaux médias, s’ils sont vivement critiqués, ne sont pas diabolisés. La fièvre et la naïveté des utilisateurs, elles, apparaissent dans un film à la fausse langueur.

– Puzzle :  *****

Paul Haggis représente ce qui se fait de mieux en matière scénaristique américaine. Leur cinéma a quelques longueurs d’avance en matière de narration. L’habilité de Haggis explosait au grand jour aux côtés de Clint Eastwood puis dans son 1er long métrage en tant que réalisateur, “Collision”. Ici les ingrédients restent les mêmes avec plusieurs histoires évoluant en parallèle. Il faut se montrer très patient, tout comme il laisse le temps à ses acteurs d’exprimer leur art et leurs sentiments, pour devenir ce qui les lient entre elles. Rarement le cinéma rivalise avec la littérature mais “Puzzle” y parvient, mêlant fiction et réalité, imagination du narrateur et déroulement de sa propre vie. Une masterpiece que vous ne devez manquer sous aucun prétexte, aussi parce que le casting est assez bluffant.

– La French :  ****

Plein de raisons de ne pas aller voir ce film : le parallèle redondant/pénible fait par les médias entre les carrière de Dujardin et Belmondo, le peu d’intérêt que représente pour moi le milieu de la pègre fut-elle marseillaise et seventies, les efforts souvent caricaturaux pour retranscrire l’atmosphère historique quand les sentiments restent le vrai moteur de toute expérience artistique. Et bien j’avais tort et dans les grandes largeurs. La famille du magistrat, assassiné pour le zèle infatigable dont il fit preuve pour faire tomber un French Connection qui étendaient ses tentacules jusqu’au sommet du pouvoir, a critiqué le passé d’addict au jeu du Juge Michel. Ce point de l’histoire, inventé ou non, est cependant la clé de voute du scénario. Car le caïd comme son poursuivant se prennent à un jeu éminemment dangereux. Qu’il s’agisse de drogue, d’argent, de meurtre, tout est pour eux dans les mains d’une roulette, russe bien entendu, qui les fait sans cesse flotter entre griserie et peur intériorisé. Ce polar réunit un casting de feu, jugez plutôt : Dujardin, Magimel, Lelouch, Sallette, Doutey.

– Night call :  ****

Il est des œuvres qui créent le malaise. Le cynisme rampant de notre époque trouve dans “Night call” une sublimation qu’on s’en veut d’apprécier. Le personnage central habité par Jake Gyllenhaal, un des plus grands acteurs de sa génération avec Joaquin Phoenix et Ryan Gosling, démontre la folie du monde dans lequel nous vivons. Pas seulement des médias mais bien de nos tentations voyeuristes qui nous plantent pendant des heures devant les images indécentes des chaines d’info en continu et nous font ralentir sur l’autoroute pour admirer le sang sur la chaussée d’un accident banal et hypnotisant à la fois. Pas vous, me direz-vous ? Peut-être que certains parviennent à lutter mais depuis si longtemps nos yeux et nos cervelles sont lobotomisées par la pub, les news… l’appétence pour le sordide et le sensationnel s’est incrustée dans nos gênes. Cet apprenti journaleux sera prêt à tout pour la gloire, l’argent, la reconnaissance, l’attention. Quelques uns diront l’éthique, la morale, le droit, sans être entendus bien évidemment. Le temps présent est bien au-delà de ces conjectures. Tout à un prix. Tout doit être montré. La vérité ? C’est celle que l’on raconte bien davantage que celle que l’on cherche. J’avais adoré “Personnel et confidentiel” pour le journalisme d’investigation qui faisait honneur à ceux qui le portaient au péril de leur vie. 20 ans plus tard “Night call” balaye d’un revers de caméra toute explication, toute dialectique. Ne pensez plus, regardez. Mais regardez, putain !

– Mr Turner :   ****

Timothy Spall incarne avec un animalité rare ce maître anglais du pré impressionnisme. Une époque charnière pour l’occident à la tête duquel le Royaume Uni étalait sa puissante industrielle. Le charbon, le chemin de fer, le transport maritime sont autant de thèmes que Turner aura sublimés malgré l’âpreté des temps. Mike Leigh rend formidablement la singularité du peintre évoluant dans un univers de nantis. Pour autant il ne perdra jamais de vue la dimension sociale de son travail. Par les sujets traités mais surtout en refusant que ses œuvres soient la proie des riches collectionneurs. Turner était rude, besogneux à la tâche, violent parfois. Mais ce film nous permet de découvrir que ces traits de caractère étaient les manifestations d’une immense sensibilité. Spall a donc été fort justement récompensé à Cannes pour avoir magnifié cet ours mal léché, capable de la plus grande tendresse et attention à l’égard de son père ou de sa dernière compagne. Les nuances subtiles de son jeu en parfait reflet de l’œuvre immense de William Turner.

– A la vie :  ****

Peu sont celles qui revinrent de l’enfer. Auschwitz, la shoa, le nazisme… autant de mots qui ne cessent de me terrifier depuis cette époque difficile de l’adolescence au cours de laquelle se forgeait mon intérêt pour cette période maudite. “A la vie” est une ode à l’espoir, délicate et sans pathos. Vous verserez plus de larmes que les 3 protagonistes principaux qui ont tout vu, tout connu, tout subi sans perdre une once de dignité. De leurs souffrances individuelles, elles ne parlent que très peu. Elles se souviennent, bien sûr, mais on comprend que le devoir est ailleurs. Celui de relever la tête, de vivre et d’aimer pour elles-mêmes et pour tous ceux qui en furent privés. Suzanne Clément fait montre une fois de plus. de cette immense sensibilité tout comme dans “Mommy”. Quant à Julie Depardieu, elle trouve enfin un rôle à la dimension de son talent.

– Eden :  **

L’aventure de la french touch au travers du parcours de deux dj talentueux mais qui n’ont pas explosé comme Daft Punk, Cassius ou… David Guetta. Et c’est bien le problème qui donne à ce film une mélancolie certes légitime mais un peu plombante. La réalisatrice met en image et surtout en son (trop) l’histoire de son frère, membre du duo Cheers qui œuvra une quinzaine d’année durant sur la scène house-garage. Même les Etats-Unis leur firent un temps les yeux doux mais le succès est parfois un animal capricieux, fantasque. Il laissera sur le bord de la route bons comme mauvais, en l’espèce deux admirateurs des dieux de la disco et de la house sans jamais réellement parvenir à digérer leurs influences pour livrer leur propre univers. Le film n’est pas un navet mais la narration reste plate, le propos un peu fade et sans beaucoup d’aspérités. Le personnage central perdra sur tous les plans, c’est écrit sur son visage dès les premiers instants. Et la direction d’acteurs ne fera rien pour nous faire croire le contraire. Tristouille à l’image du comédien principal, vraiment pas transcendant.

– La prochaine fois je viserai le coeur :  ****

Vous ne saurez rien. Vous ne comprendrez pas. Aucun commencement d’explication. Quelques bribes, que dis-je, quelques brisures d’un miroir explosé où vous croirez entrevoir le reflet d’une personnalité ambivalente à la sexualité hésitante. Quelques secondes d’un repas de famille où père et mère se montrent cassants, humiliants, fins comme du gros sel à évoquer l’aveuglement dont le fils fait montre face â une fille éprise de lui. Le diable est là, fait son œuvre. Ni la flagellation, ni les cris de rage noyés de larmes, ni les meurtres enchainés à un rythme frénétique ne calmeront la bête. Canet, impressionnant dans le panel d’émotions qu’il visite, ne semble pas fou. Il l’est sans nul doute mais impossible de comprendre son référentiel. La furie se déchaine, froide, implacable, troublante voire fascinante de ces faits divers sordides. La fascination du pire tapie en chacun de nous ?

– Quand vient la nuit : ***

Les œuvres de Denis Lehane, auteur de polars -noir très foncé- à succès, est régulièrement porté sur grand écran. On se souviendra notamment des excellents “Mystic river” et “Gone baby gone”. Mais si ces adaptations étaient à la hauteur des textes, cela tenait à la qualité des réalisateurs qui entretenaient à merveille une tension irrespirable en prenant soin de mettre en avant la composante sociale, si chère à Lehane et personnage à part entière. Là tout est focalisé sur les 4 protagonistes principaux, tous très bien interprétés. La mise en scène est trop sage, trop linéaire pour qu’on cherche à pénétrer vraiment leur psychologie malgré une belle pirouette finale à la ‘tel est pris qui croyait prendre’ que quelques détails trop appuyés annonçaient un peu tôt dans le film.

– Respire :  ***

Mélanie Laurent est une très belle comédienne, parfois maladroite dans ses propos qui lui valent railleries sur le net et ailleurs. Hollywood est pourtant venu chercher cette touche-à-tout, avec les succès qu’on connait à son tableau de chasse. Son deuxième film n’a pas échappé à une fronde tellement systématique et pauvre en arguments, qu’elle en devient risible. Oui comme souvent les jeunes réalisateurs, Laurent se regarde un peu trop filmer. Je m’abstiendrai malgré tout de rentrer dans la polémique et vous invite à aller voir cette histoire sur la passion adolescente et la manipulation. A l’instar de celle de “Quand vient la nuit”, la fin vous surprendra sans doute. Tout comme le film lui-même.

– Interstellar :  ****

Christopher Nolan est de ces créateurs hollywoodiens qui, tout en faisant pleinement parti d’une énorme machine, restent suffisamment maîtres de leur œuvre pour ne pas sombrer dans le blockbuster creux et débilitant dont raffole le public américain et qui peu à peu étouffe la production cinématographique mondiale. Tout comme ce pouvait être le cas dans ses “Batman” ou dans “Inception”, “Interstellar” transpire d’une humanité sombre et mélancolique. Les personnages sont condamnés, en ont pleinement conscience et conservent leur dignité. Ils croient parfois en leurs propres mensonges parce qu’ils doivent avancer, essayer de sauver cette putain de planète qui crève sous leurs yeux impuissants. Pour leurs enfants… et pour oublier une condition humaine cruelle où tout s’en ira, quoi que l’on fasse. La prouesse est ici de frotter le particularisme de l’homme, séparé de l’animal par la conscience de sa propre mort, à la pointe des connaissances scientifiques. Nolan réussit le tour de force d’une vulgarisation de cette impossible réconciliation de la relativité générale et de la physique quantique. Il met en scène les trous de vers qui semblent replier l’espace pour voyager instantanément d’un bout à l’autre de l’univers (on pense ici à “Dune” de David Lynch). Il raconte aussi cette inimaginable théorie faisant du temps une dimension physique sur laquelle on pourrait se déplacer comme sur les 3 autres, où toutes les informations du passé comme de l’avenir se révèleraient ainsi accessibles (on pense là à “2001 l’odyssée de l’espace”). Vous avez le vertige ? Le but est donc atteint. Seules quelques longueurs lui ôtent la 5ème étoile. Mais rassurez-vous, ce film en décroche bien davantage en confrontant ses spectateurs aux plus beaux questionnements métaphysiques, religieux et scientifiques.

– Une nouvelle amie :  ***

François Ozon manque parfois d’empathie ou plutôt de compassion avec ses personnages. Il est de ces réalisateurs qui prennent un plaisir un peu vicieux à les regarder se débattre sous leur bocal de verre. Un peu comme Haneke. C’était par exemple le cas dans “8 femmes”, toutes un peu ridicules dans leur rôle face aux autres et à elles-mêmes. Dire que Romain Duris n’est pas tout à fait crédible en femme est un faible mot, surtout dans les premières scènes de travestissement où Ozon le grime plus qu’il ne le féminise. Trop masculin, trop drag queen, on ne sait dire. Mais on reste loin de l’humour décapant et la vérité crue d’un Bertrand Blier dans “Tenue de soirée” ou de la bonne distance sans caricature mais avec la dose nécessaire de violence, d’un Xavier Dolan dans “Laurence Anyways”. Trop didactique avec le personnage de David/Virginia, il sauve son film au travers de celui de Claire dont le trouble suscité par cette nouvelle amie tourne à l’émoi du désir enfoui. La bonne surprise du scénario comme du casting.

– John Wick :  ****

Toc toc toc mais qui est là ? C’est John Wick qui te tuera. Toi le russe, toi la veuve noire, toi le malfrat, par poignées, par dizaines, tout périra. Parce qu’il est le croquemitaine et vous l’avez réveillé. Parce qu’on ne tue pas son chien sans de sa vie le payer. John Wick est noir comme le sang séché, et croyez bien que le sang va couler. Le combat sera long mais John Wick les aura. Toc toc toc mais qui est là ? L’ange exterminateur vous anéantira.

– Vie sauvage :  ****

Cédric Kahn est un réalisateur discret, évoluant dans l’ombre et loin de la sur médiatisation, Cannoise notamment. Ses films mériteraient une plus grande visibilité. Son champ de prédilection : le couple que la passion a fusionné et finit par ne plus se supporter, se déchirer jusqu’au sang, jusqu’à renier l’amour immense du début. Cette histoire ne fera pas exception à la règle et les enfants paieront le prix fort, déchirés et séparés des années durant de l’un ou l’autre de leurs parents. Les acteurs bénéficient d’une grande liberté dans “Vie sauvage” ; on devine que certains dialogues n’ont pas été écrit pour laisser place à la fureur et à la spontanéité. Le casting est une vraie réussite, avec une fois encore Céline Sallette, habitée et mystérieuse donnant toute sa complexité au personnage. Camper avec des alter-mondialistes le cul dans la boue ne me tentait guère… j’avais tort.

– The giver :  ****

A l’heure où d’aucuns estiment inutile voire inapproprié d’inculquer à nos chères têtes blondes le moindre cours d’histoire, l’on peut trouver dans ce film un bon argument de lutte et son argument contraire, d’ailleurs. Certes les références et réflexions philosophiques peuvent sembler un rien naïves. Mais ne perdons pas de vue qu’il s’agit là de l’adaptation d’un roman pour adolescents. Alors que “Divergente” n’avait déclenché en moins que bâillements et autres borborygmes, “The giver” restera à mes yeux un joli conte non sans rappeler les univers de “1984” côté littérature ou de “The island” côté cinéma. La population est conditionnée, décérébrée, sans émotions et donc sans âme car tout sentiment, toute connaissance du passé ont été proscrits. Comment construire son propre avenir sans racines ? Sommes-nous des pions d’un jeu bien trop puissant pour être pleinement lucides de ce qui se trame ? Peut-on vivre sans le moindre libre arbitre, pas même de choisir son métier, être affecté à une famille selon des critères génétiques ? Même s’il ne le dit pas ouvertement, le film parle aussi d’une société sans Dieu. Normal, puisque c’est Dieu qui tue, pas les hommes, pas les religions… le tour de passe-passe est habile ou grossier, selon le prisme que l’on choisit. Cela ne vous rappelle rien ? La parabole est pourtant beaucoup plus réaliste que nous ne sommes prêts à le croire. Mais donnez leur du pain et des jeux et vous les préparerez à tout accepter, jusqu’à cette éthique inversée autorisant à tuer le faible, l’anormal, le déviant. Ca ne vous rappelle toujours rien ? Le IIIème Reich se réincarne parfois dans un discours bon teint. Et nous le gobons chaque jour un peu plus.

– Magic in the moonlight :  ****

Ceux qui lisent régulièrement mes chroniques cinéma savent combien Woody Allen m’ennuie. Ses histoires de bourgeois new-yorkais ou parisiens en proie à de petits ennuis sociaux ou amoureux m’ont le plus souvent laissé de marbre. Il arrive cependant que le réalisateur américain sorte de son carcan comme ce fut le cas avec “Match point”. Ici je trouve enfin une profondeur, sans qu’Allen renie son humour piquant, ce second degré qu’il manie avec finesse. L’amour et la raison, le sens de la vie, l’existence de Dieu, les esprits de l’au-delà, la force de la prière… autant de thèmes abordés dans une enquête sur la forfaiture d’une médium qui voit donc plus large que je ne l’espérais. Bien joué, vous m’avez eu, M. Allen.

– Géronimo :  ***

Le cinéma de Tony Gatlif est à l’image des communautés qu’il aime et qu’il aime filmer : sauvage, intrépide, furieux, flamboyant. Petit problème avec ce nouvel opus : l’abondance donne le tournis -c’était sans doute voulu- et la chorégraphie portant cette histoire frise parfois le ridicule. Le personnage central très bien interprété par Céline Sallette, sombre et lumineuse en même temps, passe un peu trop au second plan. on dirait un remake de West Side Story opposant turques et gitans. Un peu trop “pied au plancher” à mon goût.

– Balade entre les tombes : Histoire vue et revue, sorte de mélange peu inspiré de “Taken” et de séries B années 90. Neeson lui-même n’y croit pas. Dispensable.

– Mommy :  *****

Je garde un souvenir très précis de ce sentiment étrange, mêlant admiration et jalousie, lorsque je choisissais mes idoles. Robert Smith, David Bowie, David Lynch, Margueritte Duras, Romy Schneider, Nicolas De Staël… toutes avaient cette maturité insolente, une compréhension innée, immédiate du monde et des sentiments. Cette capacité à traduire si jeunes les affres de l’amour, les angoisses les plus intimes ne cesse de me fasciner. Xavier Dolan est de cette trempe, avec une conscience aigüe de la force qu’il porte en lui. Il s’agit pourtant d’un être fragile, à la sensibilité exacerbée. Comment pourrait-il en être autrement lorsqu’on délivre à 25 ans un tel monument de cinéma. Dolan réinvente la passion -dans le fond comme dans la forme- insufflée au travail de ses prédécesseurs, Lelouch, Campion, Van Sant et d’autres encore. Mais la puissance, la fulgurance… là est l’apanage de cet être solaire à l’intelligence animale. La vie est comme un mur, un mur auquel on arrache des briques pour le malin plaisir de voir s’il peut tenir debout, malgré les plaies, malgré les crevasses gorgées d’acide qu’il nous faut supporter, un sourire de convenance au coin des lèvres. 3 personnages d’une humanité gigantesque, tout sauf banale ou convenue, se meuvent sous nos yeux, tant bien que mal. Ils tombent mais se relèvent, ils hurlent mais ils aiment, ils doutent mais espèrent. Je pourrais dire les trouvailles visuelles, l’âpreté des mots, l’intensité des regards, le combat toutes griffes dehors. Je pourrais dire comment chacun d’eux s’arc-boute pour soutenir les deux autres. Et la sensualité des nuques (comme Van Sant, les caractères se révèlent beaucoup de dos depuis “Les amours imaginaires”) où scintillent 3 chaines, attaches délicates nouant les histoires entre elles, fier témoignage autour du cou. Je pourrais dire bien des choses… elles traduiraient bien piètrement le talent incommensurable de ce réalisateur et de ses 3 comédiens dans un moment de grâce dont je suis ressorti le cœur broyé. Mais là se cache le secret des œuvres qui vous tiennent en vie. Les jambes tremblantes, je me suis extirpé de mon fauteuil les yeux brulants, épuisé. Et j’ai respiré comme cela ne m’était pas arrivé depuis 14 ans, le jour où la même émotion me submergeait en découvrant “Bloodflowers” de The Cure. Xavier chante lui aussi des rêves baudelairiens. Rien ni personne ne lui ôtera ses rêves, jamais. Même si à la fin Lana lui instille que we are “Born to die”.

– White bird :  ****

Gregg Araki est un électron libre dans le cinéma américain. Comme beaucoup de ses compatriotes classés indé, c’est au-delà des frontières US qu’il a trouvé reconnaissance auprès de la critique et d’un public branché. Toujours à mi-chemin entre chronique sociale et onirisme, ses œuvres regorgent de moments étranges alternants avec des scènes du quotidien où les ados font route vers leur propre avenir, comme ils peuvent, errant dans un monde auquel ils ne comprennent pas grand-chose. “White bird” est le pendant plus dark du très chatoyant “Kaboom” où une jeune femme découvrant la vie et les premiers émois sexuels, doit se construire malgré une mère qui disparait soudainement sans explications et un père par trop lisse pour ne pas cacher quelques lourds secrets. Le scénario comme la production ne sont pas sans rappeler “American beauty”. Et la B.O. 80’s se pare de mille trésors : The Cure, Cocteau Twins, Harrold Budd et Robin Guthrie, The Jesus And Mary Chain, Talk Talk… rien que pour cela, quel délicieux moment.

– Samba :  ***

Les deux précédents films de Tolédano et Nakache étaient des films populaires au bon sens du terme. Ils n’hésitaient pas à rentrer dans le vif du sujet, à bousculer, à faire grincer des dents, moquant certaines conventions sociales ou riant à propos du handicap. Cette nouvelle réalisation au casting a priori impressionnant mais au final peu crédible, fait preuve de beaucoup moins d’audace, voire d’un peu de misérabilisme. Le ton est en demi-teinte, les acteurs empruntés, le scénario intéressant mais sous exploité, la réalisation proche de ce qu’on voit en télé… Bof.

– Gone girl :  ***

Déçu par ce dernier Fincher qui trainent en longueur sans jamais parvenir à installer le climat oppressant caractéristique de masterpieces comme “Fight Club”, “The Game”, “Seven” ou “The Social Network”. La narration hyper linéaire, genre la version du mari qui n’en finit pas, puis la version réelle où l’on découvre le parcours de l’épouse… tout confine à une naïveté à laquelle ce réalisateur ne nous avais pas habitué. Comme “Zodiac”, celui-ci est raté même si le scénario recelait beaucoup de potentiel. Les acteurs, trop désinvolte pour l’un, trop lisible dès le départ pour l’autre, semblent s’ennuyer eux aussi. Même la musique de Trent Reznor est plate comme une limande. Seule l’affiche est une merveille qui, avec scénario et l’humour cynique très américain, évite le bouillon à ce thriller un peu oldie.